Todas las Madonnas

Antes de diseccionar lo nuevo de Madonna, hay que tener claro que la “muchacha” ha abandonado la idea de convertirse en la más moderna y rara del patio. Ahora se conforma con ser la más guapa y la más dulce como queda claro en el disco más ecléctico y convencional que la Ciccone nos ha ofrecido en la década. En MDNA se condensan todas las Madonnas de los últimos catorce años porque caben todos sus sonidos. Por desgracia parece que la técnica de William Orbit no ha evolucionado demasiado en todo este tiempo pues I’m a Sinner es un híbrido entre Beautiful Stranger y Amazing. La canción nos gusta mucho pero suena demasiado al 2000. Encajaría perfectamente en Music, al igual que Falling Free recuerda a una versión barata de las baladas de Ray Of Light, la producción nos trae a la mente las bandas sonoras de series de televisión baratas.

Esta vez se ha arriesgado poco para contentar a la mayor cantidad posible de público. Se ha vuelto muy conservadora con la edad, y no quiere resbalar en la industria musical. Pero paradójicamente es ahora cuando más la está cagando: su single presentación Give Me All Your Lovin’ ha fracasado estrepitosamente en las listas británica y norteamericana –las más importantes- y el segundo Girl Gone Wild va por el mismo camino. Por suerte ambas canciones no representan el sonido del disco pero imaginamos que Madonna las eligió pensando que algo sencillo cautivaría al personal. Se le olvidó que además de sencillo debía ser rompedor, como –por ejemplo- el We Found Love de Rihanna y Calvin Harris o el California Gurls de Katy Perry. Pero aún así hay bastantes temas resultones, aunque en esto pocos fans y críticos se ponen de acuerdo, pero en lo que sí coinciden es que en la sección Confessions on a Dacefloor, o sea, dance, se concentran la mayoría de temazos: I’m Addicted, Some Girls o Love Spent, esta última sin duda uno de los temas más originales y frescos, que se abre como una flor a mitad de canción para mostrar una exuberancia dulzona y casi mágica, que contiene un simple parecidísimo al de ABBA en Hung Up. Precisamente de esta canción, que comienza con banjo y se convierte en un petardo electroclash, también ha grabado Orbit, una versión acústica sui generis, para la que Madonna ni se ha dignado a grabar de nuevo las voces. Some Girls es otros de esos temas hecho a la moda, puro electro dance, mientras que Turn Up The Radio, es una luminosa y sencilla –una vez más- canción dance con estribillo pegadizo.

Hemos dicho que es uno de sus discos más personales, quizá tanto como American Life, pero sin tanta crudeza, originalidad y austeridad musicales. Aquel fue compuesto en un momento de esplendor de su matrimonio, y éste pertenece a una época de desengaño y locura –liarse con yogurines- tras el divorcio. Gang Bang es uno de esos temas oscuros, decadentes y mamarrachos que Madonna sabe hacer, aunque éste es el más agresivo y directo de los que nunca ha escrito. El despecho se apodera de esta canción – que recuerda a Peaches- . Empieza con un horrible sonido metálico y contiene un intermedio muy Hold It Agains Me de Britney. Es una canción absolutamente tarantiniana “If you act like a bitch you should die like a bitch”. Nos encantaría que el propio Tarantino rodase un video para la Vieja, sería el puntazo del siglo por muy predecible que parezca. Su interpretación vocal también es muy teatral, sin duda es la vez que más dramática suena su voz, incluso en canciones como I Don’t Give A, junto a Nicki Minaj, donde retoma el rap de American Life y nos cuenta lo difícil que es su vida, incluso asegura que twittea en el ascensor... ¡pero si no tiene twitter! ¿O tendrá uno personal e innacesible?

La Madonna más pop-rockera está presente en la naive y sencilla Superstar, donde supuestamente su hija Lourdes hace los coros... en la letra -propia de encefalograma plano- menta a grandes personalidades del cine clásico: Marlon Brando, Bruce Lee, James Dean, John Travolta, referentes que los jóvenes a los que va enfocada esta canción no tienen hoy y que ya no son ni el target sexual de Madonna (ella sería más de Zac Efron y Robert Pattison). Es un tema muy buenrollista ideal para una autopromoción de Antena 3. En la misma línea Bob Esponja va B-Day Song que emula el upbeat sesentero copiando directamente una frase de la canción de Sonny & Cher, The Beat Goes On, y, además, parafraseándose con su canción de 2008, Beats Goes On. En la canción colabora M.I.A. y no entendemos cómo la muchacha, que es más moderna que nadie, se ha prestado para semejante mamarrachada. Es una canción divertida pero innecesaria, aunque nos alegra que Madonna se ponga tan clásica y nos muestre algo tan diferente.

Pero en MDNA también hay una Madonna introspectiva que se decanta por un estilo de rock noventero americano para transmitir su mensaje, y se materializa en Beautiful Killer, una de las más sutiles y elegantesdel disco. Instrospectivas y con un mensaje de arrepentimiento y derrota son I Fucked Up y Best Friend, que suenan a R&B pasado de moda. La primera es un medio tiempo propio de TLC y el segundo podría pasar por un descarte del Oops I Did It Again de Britney o por un tema de Destinys Child.

Sin duda Madonna tenía ganas de ponerse manos a la obra pero no ha hecho ningún esfuerzo por dar una unidad a su sonido y ofrecer un producto compacto y rompedor. Se nota que la música ya no es su principal preocupación y que sólo la necesita para seguir al frente de un panorama pop cuyos artistas ya no se la juegan tanto en los discos como en las actuaciones en directo. Por suerte en este disco nos ofrece más canciones que nunca, ni se ha molestado en filtrar, pero aún así, la disfrutaremos. Ahora a esperar la gira que según ha dicho, estará cargada de violencia... ¿tanto como el Drowend World Tour?

Crítica: Talk That Talk de Rihanna

"Hola, os brindo un 'torrevuelto' cañero pa que bailéis"
Este 2011 es el tercer año consecutivo que Rihanna lanza álbum de estudio. Desde que arrasó en 2007 con Good Girl Gone Bad y Umbrella, Shut Up and Drive, Don’t Stop The Music o Disturbia, su popularidad ha crecido exponencialmente. Ha pasado de ser una muñequita en manos de los productores, a convertirse en una tigresa con personalidad propia con canciones, dependientes de grandes productores, que arrasan allá donde suenan.

Hace poco su manager dijo que si sacaban tantos discos, singles y videoclips es porque a la juventud hay que mantenerla excitada, y que la única manera es hacerlo con cosas nuevas continuamente. Nosotros no somos de la misma opinión, porque es ‘vox populi’ que la cantidad no suele ir ligada con la calidad. Sin embargo, el nuevo disco de Rihanna parece ser una excepción. Talk That Talk es un ejercicio de nostalgia de algo no vivido –por lo menos por Rihanna- una mezcla de estilos pasados y recientes cuyo mejor ejemplo es We Found Love. Sin duda suena más adulto, rudo y denso. A su lado, Loud de 2010 suena infantil. Y es que en Talk That Talk, las letras son más obscenas que nunca con miles de referencias a chupar, lamer y follar –hay quien afirma que es el disco más obsceno de una diva desde Erótica de Madonna (1992)-. Pero la madurez o gravedad, no sé con cual de los dos adjetivos quedarme, se percibe en la selección de estilos: dance, hip hop, R&B, electro, dubstep y dancehall de la que son responsables Dr. Luke, Ester Dean y Calvin Harris.

Al escuchar el disco, se perciben los diferentes palos que toca como familiares, pero no resultan pesados. You're Da One es un medio tiempo muy Rihanna, aunque no sepamos muy bien lo que significa, es como si Alanis Morissette interpretara un tema de Sean Paul. Nada que ver con Where Have You Been que parece un descarte de Cher para Believe. ¡Quién podía imaginar que el sonido Metro resucitaría diez años después! Con The Edge of Glory de Lady Gaga ya deberíamos habérnoslo olido.

Aquí acaba la parte dance... Ahora ingresamos en el sonido tradicionalmente negro. El tema que da título al disco regresa al hip-hop de principios de década –contiene un simple de I Got A Story To Tell de The Notorious B.I.G.- de la mano de Jay-Z, presidente de su discográfica Def Jam Records. Cockiness (Love It) es un curioso dancehall, producido por Bangladesh, que hará que los amantes del pop se acerquen a este estilo. En las antípodas está Birthday Cake, puro hip-hop hardcore al estilo de 50 Cent o Wu Tang Clan. En esta ocasión hay pocas baladas, We All Want Love y la que cierra el disco Farewell, ambas resultan efectivas, aunque suenan a lo mismo de siempre.

Talk That talk su sexto trabajo de estudio es, sin duda, el más ecléctico de todos, pero también uno de los más completos y de mejor factura. Nada que ver con el flojo Loud, que sólo contaba con tres o cuatro temazos. Gracias a Dr. Luke, Ester Dean, Jay-Z y Calvin Harris, la diva de Barbados puede sentirse orgullosa de su colección de canciones. Y nosotros contentos de que se nos ofrezca algo con un mínimo de calidad, aunque se parezca tanto a Beyoncé.

Tenemos mucho de lo que hablar: Britney, Rihanna, Zahara... perotambién El Rey León. Lo hemos visto y en breve os contaremos qué pensamos del montaje español de este gran musical.

Crítica: Cometas por el cielo de LODVG

No sabemos si es simplemente por nostalgia (que todo lo embellece) pero nos parece que el mejor disco de La Oreja de Van Gogh hasta el momento ha sido El viaje de Copperpot. Aunque todos contienen grandes canciones, éste incluye La Playa, Cuídate, Pop, Mariposa, París o Desde el puerto, clásicos de la banda que pivotan entre el placer culpable, lo nostálgico, lo naïf y lo melodramático.

La marcha de Amaia Montero tras cuatro discos no afectó mucho a la calidad de la banda que siguió en su habitual estilo en A las cinco en el Astoria y en el disco "sinfónico" de versiones que le siguió ( un"toma Amaia que Leire se apropia de tus canciones" en toda regla). Tras el éxito de todo lo anterior, en este 2011 reaparecen con un disco de título bastante mediocre: Cometas por el cielo en cuya portada aparecen más photoshopeados que Madonna enlos últimos diez años. Seguramente argumentarán que cada canción es como una cometa en el cielo, volátil, etérea y libre. Por desgracia, en el disco no hay melodías tan redondas como la del tema que lo presenta, La niña que llora en tus fiestas, donde se disfrazan de electrónicos como ya hicieron en Sola del anterior álbum, ni cuenta con momentos mágicos como Un cuento sobre el agua, Muñeca de trapo o Dulce locura.

Cada canción del disco está cargada de buenas intenciones y de grandes ideas que se pierden sin brillar como ocurre en Día Cero o Cometas en el cielo, con un estribillo potente y esperanzador, o El tiempo a solas también cuenta con esos cortos de ultratumba y un piano inquietante. Pero también ha casos vergonzosos como Las noches que no mueren o Mi calle es Nueva York casi tan tonta y facilona como I Love New York de Madonna. Entre todos los temas sólo hay una balada, optimista y popera, pero demasiado facilona, titulada Mientras quede por decir una palabra, a años luz de Jueves (por muy patética que pueda parecerle a muchos).

La Oreja de Van Gogh se ha dejado los temazos por el camino para ofrecernos su disco más mediocre... Menos mal que aún nos quedan los directos para escuchar su repertorio... Aún así, no perdemos la fe en ellos y en su capacidad de regeneración... hasta el momento son unos expertos.

Criticalia: I Look To You de Whitney Houston

Nos mira y se sincera, pero con intermediarios

Esta ha sido una década convulsa para Whitney Houston en la que artísticamente no se ha lucido demasiado. Unos cuantos recopilatorios de grandes éxitos, un par de discos discretos y muchas páginas en los diarios sensacionalistas. Difícilmente se podría presagiar que tras el éxito de My Love is Your Love todo se iría al garete de esta manera. Los más optimistas lo negarán, pero no ha recuperado las cotas de popularidad y aceptación de las que gozó hasta 2002. Superadas todas las dificultades ya está aquí de nuevo. Gracias a Clive Davis, gurú de Arista Records, sello que pertenece a Sony, Whitney regresó a la música cuando ella sólo veía su futuro como ama de casa. Un destino aceptable, como el de miles de personas en todo el mundo, pero injusto por enterrar aquella voz que no se podía olvidar.

Y aquí estamos celebrando I Look To You, un convencional trabajo discográfico dispuesto para rendir tributo a la voz que lo guía y presentado con una portada en la que nos recuerda a El Rey León. Como en aquellos discos de Diana Ross, el álbum cuenta con un escuadrón de reconocidos y curtidos talentos de la música melódica contemporánea y el r&b en EE.UU. Desde Fernando Garibay, Nathan “Danja” Hills, los míticos Stargate (que se reconocen por su juego de sintetizadores), Akon, R. Kelly, Diane Warren o David Foster. La variedad de temas no deja espacio para el aburrimiento pero no florece por ningún rincón la brillantez y vitalidad de sus trabajos anteriores (de 1998 hacia atrás). Cada tema está ahí porque debe estar, casi nada sobra, aunque sí que falta. Aún así queda claro que hay grandes elegidos para destacar en las pistas de baile y en las listas de ventas. Como Million Dollar Bill, compuesta por Alicia Keys (a la que se reconoce en esos gemidos “oh oh!” tan habituales en ella en No one, Fallin’, o Looking For Paradise junto a Alejandro Sanz). Un tema up-tempo confeccionado con instrumentos clásicos como los que se hubieran usado para de Aretha Franklin, que inaugura el disco con buen rollo, producido por Kasseem "Swizz Beatz" Dean, gurú del reggetón y el hip-hop.



Variedad
El sintetizador hace su aparición en el dance Nothin’ But Love a cargo de Fernando Garibay. El medio tiempo llega con Call You Tonight y la balada con el tema presentación I Look To You. Una letra sentimental, un estribillo épico y mucha solemnidad acompañadas por un piano para crear una balada de las denominadas “sinceras o desnudas”. Pero el ritmo no se puede perder y al momento Akon hace acto de presencia con su particular y dulce estilo en Like I Never Left. “Como si nunca me hubiera marchado”, un título al que sacar una lectura de revelación, de declaración de principios… letra compuesta por otro pero que se ciñe extraordinariamente a la trayectoria vital y profesional de la diva, se repetirá en varias canciones más como A Song For You, un tema compuesto por Leon Russell en 1970 que ha sido interpretado por Cher, Ray Charles o Simple Red, con producción discotequera (puro sintetizador) da paso a otro de los highlights “de la placa”.



Y es que Diane Warren y David Foster son los responsables de I Didn’t Know My Own Strenght, letra reveladora y producción clásica: piano, batería y sección de cuerda. Una voz quebrada, se nota el paso del tiempo, se sincera y se sorprende de su capacidad de aguante, nosotros también. Worth It retoma el estilo Akon y For The Lovers recuerda al Michael Jackson del disco Invencible. I Got You trae a mi mente los temas más vitalistas de Fu Gees. El álbum se cierra con otro tema de R. Nelly, Salute de dramática producción con un punzante piano y unos ecos al estilo Timbalad.

El caso Fangoria (aaaauhhh)

Visto lo visto, una de las cosas que más les fascina es hablar. Contar en los medios de comunicación sus gustos e intereses. Sentirse diferentes, irreverentes, divertidos, independientes, individualistas, mitónimanos y desprejuiciados cuando abren la boca. Tanto es así que acaban contradiciéndose entre ellos. Lógico ¿no? Son dos egos con diferente personalidad. Pese a lo que digan, la música está ahí y se puede interpretar al margen de sus palabras. Parece que Fangoria nos ha engañado, pues el sonido que consagró al dúo, que acrecentó su masa de fans, que les hizo entrar en una multinacional y que nos hizo soñar a todos, ha dado paso a un batiburrillo de música dance-pop con producciones exageradas y ruidistas.

El estilo que les encumbró ya había desaparecido en El Extraño Viaje, el primer disco que autoprodujeron, y el que se supone, era genuinamente Fangoria. Pero la novedad de una producción más cruda y con profusión de elementos acústicos ni convenció a muchos, ni tampoco salió mal parada. Ayudó mucho que las letras siguieran marcadas con ese puntito irónico de libro de autoayuda y examen de conciencia, aunque no contasen con la colaboración de Lucho Prosper (responsables de Electricistas o No sé qué me das, como afirma Clara Morán -esposa de Prosper- en una entrevista a El País del 24 de enero de 2009). Lo disimularon bien.

En el recién inaugurado 2009 las cosas han cambiado, ABOSLUTAMENTE. Esta vez el dúo ha colaborado, en sus nuevas canciones, con dos músicos experimentados a los que admira. Tony James y Neil X son dos de los responsables del sonido de Sigue Sigue Sputnik y de Absolutamente, trabajo sobreproducido, barroco (aunque la propia Alaska opina que es más minimalista), en el que el dúo se preocupa por retratar el qué dirán y celebrar la frivolidad, con coros crispados y bases machaconas a años luz de su anterior estilo ambient, trip-hop o electro-pop.

Cuando escuché por primera vez el tema que abre el disco, Las Walpurgis te van a llamar, pensé que me había equivocado de cedé - Oiga, yo creo que esto que me han metido aquí es lo nuevo de Nancys Rubias - Pero no, se trataba de Fangoria interpretando una canción muy luminosa en la que las rimas están dominadas por verbos en infinitivo de la primera conjugación hasta la náusea (visitar, resucitar, continuar, llamar, hablar, llamar, exagerar, contemporizar, contestar, encontrar, hablar, llamar, sobrellevar, ¿desorbitar?, llamar, hablar, soltar, colgar, horrorizar, llamar...)
Le siguió un tema de título cañí muy al estilo de Siempre que amanece, apetece, Lo poquito agrada y lo mucho enfada, , curioso himno a la continencia y la sobriedad que no auguraba un mal disco (otro tema muy Nancys Rubias pero conectado con Si dios sabe lo tuyo, que lo sepa todo el mundo, de El Extraño Viaje) ... habíamos arrancado con buen pie, aunque rimen cuatro veces seguidas con -on- perdón, confesión, excepción, ecuación o en -a- (¿Para esto hacen falta cuatro compositores como figura en los créditos?)

Para En El centro del universo, tercer corte, la rima elegida es la "i", y es todo lo que se me ocurre comentar sobre esta canción. Menos mal que llegó el primer single Más es más, oda a la superficialidad y al consumismo que deja patente la mano de Vaquerizo (¡chin, chin!), con unos violines y un coro (uoh uoh ahhhh) irresistibles. Un inquietante piano precede a un poquito de chunda chunda machacón y una letra agresiva. Se trata de Perdiendo los papeles, de producción aburrida y repetitiva, que sería mucho más llevadera si terminase en el minuto 3.05. Pero el disco, como la vida, continúa a través del tiempo y se transforma en la mística Con los ángeles, que muchos críticos y periodistas describen como la peor del disco y de su carrera. Fantástica la idea de interrumpir el coro de voces masculinas para crear ese efecto (al estilo de Easy Ride de Mirwais), que mola tanto, pero la interpretación vocal dramática resulta bastante desagradable, por no hablar de la letra... De nuevo el piano (o el casiotone) suaviza la tragedia, al igual que la batería y la guitarra sobre el minuto 2.50.

El toque clandestinamente folklórico lo pone el tema que da nombre al disco que si contuviera una buena guitarra española y unas castañuelas pondría la mano sobre el fuego, la biblia y la revista Cuarenta Principales para jurar que se trata de un clásico de Lola Flores o Paquita Rico.

Resulta increíble que Rafa Spunky sea el responsable de los coros. Escúchalos con atención porque lo que yo detecto es la histérica voz de Olvido. Otro de los temas más populares entre los fans, de los pocos que salvarían de la quema, es La pequeña edad de hielo, puro electropop rayano a los Pet Shop boys con un estribillo demasiado vitalista. Juego de palabras con la frialdad de una relación amorosa y los términos utilizados para describir el cambio climático en la letra, recurso habitual en el dúo. Yo me imagino alos animalitos de la película Ice Age más que a un grupo de neanderthales. Con Mi futuro sin ti da la impresión de que recuperamos al (¿o es "a la"?) Fangoria de la trilogía carlista (Jean), pero de nuevo una interpretación afectada e histriónica disuelve el efecto (prefiero a una Alaska serena y sensual que a la recién levantada con carraspera y jaqueca) La letra de nuevo no deja indiferente: "Desde hoy soy un robot sin corazón", ¿desde cuando se supone que lo han tenido?).

Tras Amanecer dorado, llega otra canción muy similar pero más llamativa titulada Cabezas disecadas (que ya interpretaron en directo en su anterior gira), un tema dedicado, según han declarado, a los consumidores de cocaína, muy bailable en donde explotan su vena más rockera. Desde aquí les recomiendo un retoque en la letra de la canción: "Y por si no te lo han dicho, se te ha parado el reloj", por lo siguiente: "Y por si no te lo han dicho, 'que te la pique un bicho'". Gracias pero no una dulce tonada sobre la negación precede a Ensayo para una despedida que, con un interesante comienzo y una inútil declaración final, cierra uno de los discos menos inspirados de Fangoria, que pasan de ser pretendidamente horteras a ser bastante aburridos. No suena mal, es bailable, divertido pero no me invita a escucharlo tanto como sus trabajos anteriores y corre el riesgo de caer pronto en el olvido (¿gara?).