Thursday, 18 December 2008

¡Madre mía! ¡La peli musical del año!


Los prejuicios no me permitieron disfrutar del musical en vivo y en directo cuando estuvo en Madrid. Y es que como suele ocurrir con la cartelera teatral patria, los anuncios no invitaban a pagar por ver el chou. Una estética camp, exceso de flúor y un excéntrico reparto no contribuían a crear un expectáculo con sex appeal (a partir de ahora sexapil). Además, no estaba versado para nada en la cultura ABBA y todo me sonaba a chino. Vale, es imposible no conocer ni un sólo estribillo de esta banda sueca ya que en nuestro imaginario colectivo revolotean chiquititas, fernandos, mamma mias, gimme gimme gimmes, y demás parafernalias dulzonas, pero ni por esas acudí al teatro Lope de Vega de Madrid a ver Mamma Mía!, a diferencia de miles de personas, más predispuestas que yo a pasárselo bien sin prejuicios snobistas infundados.

Con el tiempo y sin proponérmelo fui descubriendo el legado de ABBA, olvidándome del musical, hasta que este verano apareció la película cuyo trailer me sedujo al instante, que acaba de salir en deuvedé y que, según parece, ha superado en el Reino Unido la recaudación que obtuvo la hasta ahora cinta más taquillera, Titanic. La película suponía el último empujón que me faltaba para que me entraran. ¡Y bastó con la puntita!

Una historia sencillita (escrita por Catherine Johnson) y con mucho puterío como gusta en las comedias musicales: chica norteamericana, Sophie, regenta con su madre Donna (también norteamericana y ex-hippie setentera) un pequeño hotelito en una paradisíaca isla griega. La jovencita va a casarse con un muchachote pero antes quiere saber quién es su padre. En la ardua búsqueda se hace con el diario de su madre donde plasmó por escrito, veinte años atrás, sus apasionadas aventuras con tres hombres durante el mismo verano en que nació su hijo. Por eso, Sophie decide invitar a aquellos tres hombres a su boda, lo que no hará demasiada gracia a Donna.

La película ha sido dirigida por Phyllida Lloyd que también se encargó del montaje teatral, así que ya conocía al dedillo los secretos de la historia. Si algo de la película es reseñable, es justamente la música. Hay algo que diferencia las composiciones de ABBA del resto de la música pop. Sin duda sus melodías tienen la culpa,y esos arreglos que ahora podrían ser perfectamente considerados kistch hacen el resto. Muchas de sus canciones han envejecido bastante mal, hay que reconocerlo, pero con los nuevos arreglos musicales para la película rebosan vitalidad por los cuatro costados. Además, la voz de Amanda Seyfried que encarna a Sophie, temblorosa como si contuviera mil emociones aporta un dramatismo delicioso. Lay all your love on me mejora tanto como Our Last Summer cantada por el trío Brosnan-Firth-Skarsgard, melancólico retrato del amor juvenil. La voz de Meryl Streep, que disfrutó como una enana en el rodaje, es dulce y se nota el esfuerzo por evitar que resulte plana en Money Money Money o Mamma Mia! o la sentimental y desgarradora The Winner Takes It All. Pero sin duda alguna, lo que más me gustan son los créditos, y no os creáis que son muy elaborados y atractivos como los de Pixar o Almodóvar ¡para nada! Esconden dos de las "joyas Mamma Mía!". Un par canciones que en su revisitación simplifican el muro de sonido propio de Phil Spector hasta limitarla a una mandolina, un bajo y una batería, en el caso de I Have A Dream o un exquisito piano en Thank You For The Music, un himno para cualquier músico/melómano de una ternura infinita gracias, de nuevo, a la voz de Seyfried.


Thank You For The Music



Lay All Your Love On Me



Honey, Honey



Mamma Mia!



The Winner Takes It All

Friday, 12 December 2008

Videoclips al borde de la década

A la vez que la industria del disco se hunde, las grandes estrellas de la música pasan por una sequía creativa a la hora de rodar videoclips. La razón puede resultar evidente: los videos son vehículos de promoción de canciones y discos pagados por las discográficas. Si ya no son eficientes, no tiene sentido continuar ellos.

Sin embargo, gracias a internet pueden estar presentes en cualquier parte y siguen siendo una excelente carta de presentación para los artistas y una disciplina en la que confluyen las artes plásticas audiovisuales y musicales. La edad de los presupuestos millonarios y las megalomanías visuales han pasado. Michael Jackson está desaparecido del mapa creativo, a Madonna los videos le importan un pimiento, Björk se conforma con poco y Backstreet Boys o *N Sync (bandas millonarios videoclips, en particular Pop de la banda liderada por Justin Timberlake) son pasto de las hienas. Gracias a las nuevas tecnologías se puede hacer mucho con muy poco y parece que toda la creatividad y originalidad ahora está en manos de bandas provenientes de la escena independiente que tienen acceso a través de su ordenador (seguramente MAC), a la tecnología que antes poseían unos pocos .

Aún así a veces estos artistas mainstream, ídolos para millones de personas, nos sorprenden y aunque me sobran las imágenes de plano medio y primer plano de Britney, el videoclip de Circus dirigido por el genial Francis Lawrence es una delicia. Despuésun sorprendente Womanizer (al video me refiero) que llegaba tras los prescindibles videos de Blackout (Gimme More, Piece of Me y Break the Ice en manga), aparece un sucio, oscuro y mágico producto. Un deleite para la vista con una de las canciones más interesantes de la Spears enlos últimos cinco años.



Unos que también me animan a seguir creyendo que el pop comercial puede contar con buenos videos son Miranda! que después de año y medio de publicar El disco de tu corazón y con El templo del pop, su primer disco de Grandes éxitos aún calentito, lanzan el video de Hola, una de las cancioncillas más destacables de su repertorio. Aquí tenéis su divertido y desprejuiciado vídeo:

Thursday, 4 December 2008

Editorial: Diez años creyendo

Hace diez años la música se abrió de piernas ante mi con las mismas ganas con las que un adolescente se enfrenta a las primeras piernas abiertas, las suyas o las del otro. Hasta entonces ninguna otra melodía, ninguna otra base ni ninguna otra letra me había hipnotizado con tanto ahínco como lo hizo aquella canción. Quizá fue porque me encontraba sólo en el instituto desde que mi mejor amigo se marchase a un colegio del Opus, o quizá porque era mi primer otoño como huérfano de padre que la intensidad con la que me agarró hizo que todo cambiase en poco tiempo.

Cuando conseguí el disco que contenía aquel tema se revelaron ante mi diez nuevos mandamientos, una decena de salmos que me introdujeron con suavidad en ese exquisito vertedero de música pop, comercial, dance, electrónica, rock, sin necesidad de abrir el lubrifist. Esta vez la culpa no fue del cha-cha-chá, sino de Believe, el disco que colocó a Cher de nuevo o por primera vez, en el mapa para mucha gente, entre ellos yo y contribuyó a que el vocoder se asentase en el pop llegando a los excesos de Kanye West o Janet Jackson. Aquel álbum no sólo contenía nueve canciones inéditas y una revisión de su clásico We all sleep alone, también incluía mi pasaporte a una obsesión.

Como no podía ser de otra manera en aquella época, las canciones, verdaderos himnos dance, fueron producidos por Todd Terry y Brian Rawling de la factoría Metrophonic excepto The Power a cargo de Junior Vasquez (If Madonna calls, ¡I'm not here). En una primera escucha los singles saltan al oído, Belive, Strong Enough, All or Nothing... sin embargo cada canción evoca distintas sensaciones. Dance melancólico o reflexivo... compuesto cuando Cher sólo tenía dos años más de los que Madonna carga actualmente.

Love is the groove ya por aquel entonces provocaba vergüenza ajena, sin embargo aquel encanto decadente, casi cursi, hoy resulta camp... Love is the groove in wich we move.

In the East and in the West
Every bird will seek its nest
Everyone will seek his home
Home is where the heart goes...

Pura "poesía" a cargo de la genial Betsy Cook(que la compuso en 1991) y Bruce Woolley. Runaway era uno de los temas más oscuros, una tormenta sentimental, al igual que Taxi Taxi, con la que irremediablemente imaginaba a una Cher empapada esperando en una oscura calle de Manhattan "Sing to me like Pavarotti, sing to me of Spain..." Pero sin duda alguna, además de Belive el tema estrella sólo podía ser Strong Enough (esos violines!), todo un himno a la supervivencia sentimental con una producción setentera propia del Saturday Night Fever. Lástima que Diane Warren, letrista de toda diva que se precie sólo colaborase en Takin' Back My Heart, el más discretito del disco.
Menos mal que el hijo del matrimonio Estefan recuperó Dov'e L'amore un año después para darle "marcha" y menos mal que reservó para el final la remezcla de We All Sleep Alone, balada de 1987 compuesta por Bon Jovi que aquí se convierte en una fiesta con Big Band incluida pero en versión eléctrica, una delicia para el amante del género y el que esté dispuesto a crear las mejores coreografías en su habitación.


Han pasado diez años pero sigue sonándome como antes.


Runaway



Love is the Groove



Taxi, Taxi



We All Sleep Alone 1998

Saturday, 29 November 2008

Consejos prácticos para el pop: discos que son un fracaso I

¿Qué es lo primero que pasa cuando un disco resulta un completo fracaso? Pues que la discográfica decide abandonarlos a su suerte y cortar la promoción. Así, estos náufragos de Billboard o de Promusicae quedan a merced de los tiburones. A continuación trataremos algunos de los casos más sonados en los últimos años para observar de cerca las dolencias que conlleva.

Éste es el caso, por ejemplo, del desembarco en Estados Unidos de Laura Pausini. La italiana publicó el 11 de mayo de 2002 su primer disco cantado íntegramente en inglés para Estados Unidos y Gran Bretaña para conquistar el mercado anglosajón. Como primer single, la casa de discos Warner Latino eligió Surrender, un tema bailable producido por los por entonces gurús del dance Brian Rawling y Mark Taylor (ver Ascenso y caída de la ciudad de Metrophonic). Sin embargo, las ventas no fueron las esperadas y tras un segundo single titulado I need love se suspendió la promoción del disco en Norteamérica y en tutto il mondo. El álbum se vendió mejor en Europa y Latinoamérica, lo que hizo que las cifras se elevasen a 2.500.000 copias. A partir de entonces, la cantante ha regresado al español y al italiano en sus siguientes discos, con gran éxito.

Al pobrecito de Michael Jackson le ocurrió lo mismo un año antes con su esperado regreso tras cinco años sin material nuevo. Su álbum Invincible, cuya producción costó 65 millones de dólares, se anunció como el evento más importante del año. Pese a que tuvo una muy buena acogida por parte del público, sólo logró vender 10 millones de copias en todo el mundo (la compañía, Sony, esperaba cifras más altas). Tras un segundo single, Cry sin apenas promoción (con un videoclip en el que ni siquiera aparecía el propio Michael), Sony certificó la defunción comercial de aquel disco.

Seguramente lo que nadie puede imaginarse es que un artista como Madonna también sufriera el ostracismo de su propia disquera. Ella… ¡la reina del pop! lo vivió en sus cannes en 2003 con su álbum American Life. Tras retirar el videoclip del primer single para “no ofender a los soldados que estaban defendiendo a Estados Unidos en Iraq” (el videoclip era una crítica al conflicto en la que comparaba la guerra con una pasarela de moda), parece que la canción no convenció al público y no vendió lo esperado. A esto se sumó el hecho de que todas las cadenas de radio pertenecientes a Clear Channel (es decir, más de 1200 por todo el país) decidieron no programar a Madonna debido a su oposición a la guerra y sus críticas a la Administración Bush. La promoción se mantuvo hasta finales de ese mismo año pero de forma caótica: las fechas de publicación de los singles cambiaban continuamente y se apostó por una canción diferente según el medio, para las radios se seleccionó la balada Nothing Fails, para las televisiones, el tema Love profusion con un videoclip dirigido por Luc Besson (El Quinto Elemento, Nikita, dura de matar), y para las pistas de baile (importante foco de promoción) se enviaron remezclas del tema Nobody Knows Me.

Ninguno de estos tres singles tuvo gran repercusión lo que dejó patente la ineficacia de la diversificación. Tan sólo vendió 667.000 ejemplares en Estados Unidos (frente a los tres millones de su anterior trabajo, Music) y unos tres millones en todo el mundo. Gracias a la gira mundial que realizó al año siguiente bajo el nombre de The Re-Invention Tour, el disco se mantuvo a flote, aunque resulta curioso que en países como Gran Bretaña o Francia, álbumes anteriores, como The Inmaculate Collection de 1990, regresaran a las listas de ventas superando a American Life. El supuesto boicot se mantuvo con su siguiente disco Confessions on a dancefloor de 2005, aunque el éxito masivo de su primer single Hung Up, que contaba con un sample del tema Gimme gimme gimme (a man after midnight) del grupo sueco ABBA, logró que el álbum fuese todo un superventas alrededor del globo y que mejorasen las ventas en EE.UU. llegando a 1.700.000 copias y más de 8 en todo el planeta. Los programadores radiofónicos alegaban que no pinchaban el disco para que no se pensase que se trataba de una “radio gay”. Sin embargo con su nuevo disco, Hard Candy, publicado la última semana de abril de 2008, ha conseguido entrar en todas esas radios que la vetaron. Esto se debe a su colaboración con el gurú del hip-hop Timbaland, productor del disco, y uno de las principales personalidades del mundo de la música negra norteamericana. Actualmente Madonna se encuentra embarcada en una gira mundial (la más lucrativa para una cantante) que llega a su tercera fase, Sudamérica, tras haber recorrido Europa y Estados Unidos con gran éxito. La promoción de Hard Candy parece que también ha sido abandonada a su suerte. Madonna no debe tener mucho tiempo para promociones con su divorcio y la gira, por lo que no se grabará videoclip para su tercer single Miles Away, aunque un maxi de remixes saldrá a principios de diciembre.

Friday, 21 November 2008

Entrevista: Laura Pausini, la reina del drama. II parte

¿Cuál es el verdadero motivo de que hayan pasado tantos años sin cantar en España?
Yo estoy muy enfadada ¿Cómo puede ser todo esto? ja ja ja. El único país que hace mucho tiempo que no visito de gira es España. Llevo seis o siete años con conciertos bastante grandes por Europa y América Latina y del norte. Todas las propuestas que yo he recibido de España, no cubrían ni los costes de los técnicos. Lo encontré extraño, al principio creía que no era posible, ¡tengo que pagar a todo el mundo que trabaja conmigo, no puedo tocar gratis! Viajan conmigo setenta personas y no puedo pedirles que toquen simplemente por placer, porque es su profesión. Durante cinco años he dicho que no a las propuestas económicas que me han ofrecido en España. Es una pena porque mis discos se venden bien en España y cuando camino por la calle me doy cuenta de que no ha cambiado nada desde el principio, pero la realidad en España es diferente del resto de países. Por eso, el próximo año en marzo, comienzo la gira mundial y estoy estudiando una manera para adaptar el escenario a todas las estructuras que me ofrecen, desde un estadio hasta un teatro. No es fácil adaptar pero eso es lo que quiero hacer. Quiero estar un año entero de gira y tocar en recintos de dos mil o tres mil personas hasta estadios. Sería terrible no venir a España. ¡Si hace falta vengo sólo con mi novio a la guitarra!

Te tomo la palabra

Jajaja. Soy verborreica. Hablo mucho.

¿Qué música escuchas actualmente?

Consumo mucha música. Lo único que no compro es la música techno y house. Hoy he escuchado el disco de un chico que se llama Sagi Rey. Es un cantante que transforma las canciones dance en pop acústico. Convierte canciones de Lisa Stanfield o temas como What is love, en piezas muy delicadas, muy suaves. Me fascinan esos arreglos tan elegantes.


Has cantado con grandes voces masculinas Eros Ramazotti, Andrea Bocelli, James Blunt, Michael Bublé, Nek, Tiziano Ferro, Juanes, Gilberto Gil, Sin Bandera, Ray Charles, Miguel Bosé ¿Quién te falta?
Me faltan las mujeres. Yo siempre quiero cantar con alguien si hay una razón, por supuesto. La mayoría de los duetos que he realizado han sido al margen de mis propios proyectos. Muchas veces estoy invitada como en el caso de Michael Bublé, como Andrea Bocelli, Luis Fonsi. Son cosas que nacen espontáneamente, si me gusta mucho, lo hago, como lo de Phil Collins. Todos esos duetos a me han formado a nivel artístico y me han permitido darme a conocer en lugares donde era desconocida. Espero que el próximo dueto sea con una mujer.

¿Con qué chica te gustaría? Muchos de tus fans dicen por los foros que les encantaría oírte cantar junto a Shakira... ¿Qué opinas?

Me gusta Shakira. Mis fans me conocen bien y saben cuáles son mis gustos, porque yo escribo en el foro oficial un par de veces por semana. Cada vez que entro allí, en laura4u.com, hablamos de otros cantantes y saben que lo que me resulta más atractivo musicalmente para mi es la voz, la interpretación que tiene poca técnica. No me gusta la perfección vocal. Me gusta la interpretación y Shakira definitivamente es una intérprete y tiene un color vocal muy especial, muy particular y reconocible y me encanta. Pero hay muchísimas mujeres latinas que me encantan: Julieta Venegas, Bebe, Ana Torroja...

¿Cómo es el proceso de creación de un videoclip de Laura?
Depende de la canción. Me gustaría que me conocieras más porque verías que aún estoy más loca. Yo intento tener el control de todo lo que hago, mi música, mis fotos y también mis vídeos y todos mis proyectos cuentan con personas que me ayudan y que me conocen. Hablo mucho con los directores de mis videos pero no suelo elegir yo la temática del videoclip. Me gusta que otros artistas, en este caso realizadores, escuchen mis canciones y que me cuenten qué es lo que le ha hecho imaginar mi música. Para En Cambio No, he llamado al director de cine italiano Alessandro Dalatri y le he dejado la libertad para que escriba él la historia que quiera. Y ha escrito una muy diferente de la que imaginé yo en la canción. Como te he dicho, hablo de las personas que no se han dicho todo. El director eligió contar la historia de una persona que en este caso es un soldado que el día que tiene que ir a la guerra encuentra a una chica muy diferente a él, por color de piel , por cultura... y también porque ella es muy serena y él es muy inquieto. Regresa de la guerra con un problema psicológico muy fuerte porque ha visto gente morir y la única persona que puede en realidad ayudarlo a renacer psicológicamente es la chica que conoció aquel día antes de marcharse. Una versión diferente. Me gusta que la canción pueda interpretarse más ampliamente. Yo la vivo pensando en mi abuela, pero mucha gente la vive de otra manera.


En las letras de tus canciones nunca hay política...

Pero ideología sí, varias veces lo he hecho, pero política nunca. No me gustan los cantantes que quieren hablar de política en sus canciones. No me gusta que la gente que tiene influencia sobre muchas personas jóvenes a través de su música o su película o su manera de ser puedan influenciar, simplemente porque son ídolos, a una elección política. Sin embargo a nivel ideológico y social lo he hecho muchísimas veces, porque se trata de un derecho de todas las personas. Por ejemplo, en el disco hay una canción titulada Madre Tierra que habla sobre que todavía no hemos aprendido a respetar la naturaleza. Los árboles, el hielo de los polos, el agua dulce, todo lo que nos rodea y que en realidad nos ha formado y lo que nos permite sobrevivir.

Tus discos siempre salen en otoño ¿superstición o simple casualidad?
Puede ser también que me de miedo salir en otra época del año, no lo sé ¡ja ja ja! En realidad siempre que me encuentro lista con el disco nuevo, voy a la discográfica y se lo presento, estamos en septiembre. Me sale natural escribir en algunos meses. Es pura coincidencia, pero ahora hace casi 15 años que se da esta coincidencia. Debo cambiar, la próxima vez saldré en otro momento.

Quizá sea porque en primavera compones porque estás inspirada para otoño ya está listo
Quizá es por eso. Yo he nacido en primavera, en mayo y en Italia decimos que mayo es el mes de los locos. Últimamente yo me encuentro bien dentro de esa definición, gracias a que me siento libre de escribir, de soñar y de imaginar lo que quiera. Será la primavera que me inspira mucho.


Invence no


En cambio no


Invence no, acústico

Wednesday, 19 November 2008

Entrevista Laura Pausini: la reina italiana del drama Vol. 1

El temperamento y la pasión italianos toman cuerpo en Laura Pausini, que publica nuevo disco en el que se vale de ellos para configurar una colección de canciones que continúa y expande el sonido de Escucha (2004). Su título es Primavera anticipada (Primavera in anticipo en italiano) y está concebido como un viaje a lo largo de las cuatro estaciones, sí, como Vivaldi, y la primavera es la que simboliza la madurez y la serenidad. Si quieres saber cómo suena y muchas otras cosas sobre esta dama de la canción ligera con incontinencia verbal, sigue leyendo porque gracias a AULA 2000, un servidor tuvo la posibilidad de charlar con ella.

El año pasado ofreciste un macroconcierto en el estadio de San Siro ¿Qué significó para ti?

Fue un concierto único, no quería hacer una gira porque estaba trabajando en el disco de Primavera Anticipada y tenía ganas de grabarlo ya. Pero no pude rechazar la invitación del estadio de San Siro ya que se iba a convertir en un evento único a nivel cultural y musical en mi país, pues era la primera vez que una mujer tocaba en un estadio en Italia. Así que quería tomarlo como algo muy especial y prepararme bien.

Pero he tenido el año entero para preparar, arreglar y grabar las nuevas canciones compuestas durante cuatro años, desde que paré la promoción del disco Escucha. Después de ese disco empecé a escribir muchas cosas. Recuerdo que mientras grababa Escucha muchas cosas en mi vida personal estaban transformándose y necesitaba escribirlas. Por eso creo que Primavera Anticipada es la segunda parte de Escucha. No existe un disco sin el otro.

Mi nuevo trabajo se titula así porque la primavera que representa, digamos, la etapa final de mi recorrido, según como está mi vida ahora. Hay canciones que escribí hace tiempo como Mis beneficios y Un hecho obvio que reflexionan sobre primaveras anteriores. Es importante explicarte que el disco está compuesto como si fueran cuatro estaciones de manera figurativa representan cuatro estados de ánimo diferentes.

Me alegro de que seas tú quien lo comente porque te iba a decir que este disco me recuerda mucho a Escucha. Se complementan.

Absolutamente son complementarios. Cuando compongo un disco lo hago exclusivamente para mi, para sacar afuera cosas que tengo dentro de mi y que necesito arreglar o curar a través de la música y te digo que no es tan fácil vivir algunas experiencias psicológicamente y si no las conoces no puedes vivir tan profundamente la dicha, la felicidad cuando llega a tu vida.

Tu sonido ha ido endureciéndose desde Entre tú y mil mares. Te acercas mucho más al rock que a la balada. Porque Primavera Anticipada tiene mucha guitarra eléctrica, mucha batería, es un disco muy contundente musicalmente. No sé si has sido consciente de esa evolución

Por supuesto que soy muy consciente. No rechazo lo que hice antes pero esto es lo que instintivamente me sale y cada año me voy dando más cuenta que lo que hago musicalmente siempre es un reflejo de mi carácter y mi momento actual. Por supuesto, cuando cantaba La Soledad, Amores Extraños, Inolvidable o Las cosas que vives, son todos temas con los que me encuentro muy cómoda porque recuerdo como era yo en aquel entonces y no quiero traicionarme. Pero muchísimas cosas han pasado en mi vida, no solamente a nivel profesional, también a nivel personal. Empezando tan joven, con 18 años grabé mi primer disco, mi vida ha sido totalmente revolucionada. Lógicamente, todo ese torbellino de vida me llevó a vivir diferentes emociones y sentimientos que han forjado mi carácter, que me han permitido reflexionar, comparando mis pensamientos no solamente con la gente de mi familia, sino con muchísima gente de Italia, del resto de Europa y de América, tanto del norte como del sur. Todo eso ha cambiado algunas de mis actitudes, ha evolucionado lo que era una niña, y con 34 años no es lo mismo. Ya no soy tan cursi como cuando era más pequeña.

Por tanto, los sonidos son también una reflexión de las cosas que escribo. Evidentemente cuando la canción expresa rabia o dolor, necesito que haya melodía pero al mismo tiempo que los instrumentos me ayuden a explicar esas cosas que estoy diciendo. Si estoy enojada me sirve una guitarra muy sucia. Necesito que la parte rítmica esté muy presente y no sea completamente limpia, que no sea cien por cien pop, sino que tenga influencias rock.


Uno de los temas con más fuerza es justamente Primavera Anticipada donde cantas con James Blunt ¿No crees que hubiera sido un primer single fantástico?


El disco se desarrolla a través de las estaciones del año que simbolizan diferentes estados de ánimo. Por eso debo empezar de la parte más difícil para mi, que la identifico con el otoño. De la canción más melancólica, es decir, desde donde todo ha empezado para llegar a la primavera. No quiero comenzar desde el final, porque la meta de este disco es llegar a un momento sereno, de felicidad, de tranquilidad representado por la canción Primavera Anticipada. Para mi el primer sencillo tenía que ser la canción que me provocaba mayor emoción y muchas lágrimas de todas las que he escrito e interpretado en mi carrera, En Cambio No, es una canción que me inspiró mi abuela que ya falleció. Ella me enseñó que enfrentarse a la muerte cuando eres una persona consciente y madura es algo bastante impactante lógicamente. Despedirse para siempre de alguien que ha desaparecido súbitamente y que ha sido muy importante en nuestra vida. En aquellos momentos en que no está te das cuenta de que no fuiste capaz de decirle todo lo que querías decir y mostrar a esa persona. Cuando mi abuela murió, yo me sentí serena, feliz de haber hablado con ella y dejarme conocer totalmente. Yo no tengo ningún arrepentimiento de eso. Muchas personas de mi familia sufrieron mucho más porque se dieron cuenta, a veces por timidez o por otras razones no fueron capaces de hablar y decirse todo. Es una canción muy profunda, no es un tema de desamor ligero. El disco no tiene ninguna canción adolescente. Está escrito por una mujer joven que ha pasado por muchas experiencias que quiere cantarlas.

Pones mucho de ti en este disco, es muy pasional y sentimental.


Todos mis discos son así. Son muy autobiográficos, yo no soy capaz de cantar canciones que no hablan sobre mi. Yo no me siento para escribir o grabar un disco, lo hago cuando me ocurre algo y necesito expresarlo con una canción.


¿Quién te ha ayudado en la producción?

Los productores son los mismos de siempre. Yo produzco artísticamente todo el disco junto a tres músicos: Dado Parisini, que desde Las cosas que vives produce mis temas, Celso Valli, conmigo desde Mi Respuesta y Paolo Carta, con el cual había hecho ya dos temas en el disco Yo Canto y que es mi novio. Todo son italianos porque yo creí que eran las personas idóneas para recrearlas. Personas que conocen mi trayectoria profesional y sobre todo mi vida pueden ayudarme mejor con los arreglos. Yo estoy en todas las etapas del disco. Desde la escritura hasta el master yo estoy cuidando del niñito.

Ante todo, la famiglia...

Afortunadamente no se trata de algo premeditado, surgió casualmente. No hubiera sido capaz de mantener relaciones intensas y profundas con mi novio o con familiares como necesitan si no pasara más tiempo trabajando con ellos. Trabajo con mi hermana que se ocupa de mi cuando viajo. Con ella hablo varias veces al día, y no precisamente por motivos de trabajo. Mi padre y mi madre me ayudan también y como ya te he dicho, mi novio es mi productor y mi guitarrista y el director musical de mi banda, mi manager fue mi exnovio. Somos una gran familia, también las personas que trabajan profundamente y verdaderamente y que no son familiares, tras convivir cierto tiempo entran forman parte de mi familia.

¿Estuviste en el concierto de Madonna el seis de septiembre en el estadio olímpico de Roma?

No, no, porque no estaba en Italia. Antes de ultimar los detalles del disco y empezar la promoción tuve cinco días de vacaciones que coincidieron en esas fechas. Sinceramente, prefería ir al mar.

Continuará...

Friday, 14 November 2008

Amaral: Emotiva catarsis pop


Sobre el escenario Eva Amaral, mañica y madrileña de pro, agradece a sus fans también en nombre del tímido Juan Aguirre, el haberles ayudado a “hacer algo con sus vidas” durante estos últimos diez años. Una década chispeante en la que el ascenso ha sido sostenible. Un éxito muy ecológico conseguido gracias a la dosificación y refinamiento de sus recursos. Si existiera un Protocolo de Kyoto para la música, Amaral marcaría la pauta y la ya agonizante Administración Bus no pondría pegas para aceptarlo. La clave de su éxito es obvia pero efectiva: irresistibles himnos pop, emocionantes y nostálgicos, con letras que hablan del pasado o de un glorioso presente que se desvanece.

Puede que sea por los sentidos guitarreos de ese Juan con gorro hasta la nariz, que si viviera en el Siglo de Oro iría completamente embozado (sombrero de ala ancha y capa larga), o por la vibrante voz de la bella Eva, que en directo, sin intermediarios, todo se intensifica, como en la casa de Gran Hermano y como llevan demostrando todo este año a lo largo, ancho y profundo (benditas fiestas patronales) de España. Nosotros los vimos en el Palacio de los Deportes de Madrid el pasado 30 de octubre para crear la atmósfera perfecta. Durante dos horas y media el dúo junto a su banda convenció a un público muy agradecido lleno de fieles seguidores y profanos acompañantes (fascinante el abanico de parejas de humanos) que enarbolaban máscaras de gato (las daban en la entrada) como la que Eva lucía al comienzo para entonar Kamikaze, el tema estrella del disco Gato negro – Dragón Rojo.


Y es que no lo tenían muy difícil, pues enlazaban un hit detrás de otro. Un non-stop all-hits-long enérgico aunque a medio gas a ratos al eliminar la magia de los arreglos originales con los nuevos. Me refiero al tema Estrella de mar, delicatessen electró-onírica que en versión acústica no es lo mismo. Pasaron de puntillas por sus dos primeros discos (un tema de cada), picotearon de Estrella de Mar (con cuatro de los seis singles), sonaron Días de Verano o Revolución de Pájaros en la cabeza y desgranaron catorce de los diecinueve temas del último entre los que no faltaron Tarde de domingo, Concorde o Rock & Roll, cierre de esta merecida, para todos, catarsis pop.









Sunday, 9 November 2008

Nuestro sueño de cualquier noche del año



El festival LesGaiCinemad nos ha traído este año un poquito de fantasía. Los zombies maricas del alemán Bruce LaBruce nos han regalado uno de los grandes momentos de la edición (¡bendita paranoia berlinesa!). Durante la proyección de la cinta, titulada Otto: Up with Dead People asistí por primera vez al espectáculo que supone observar cómo se marchan muchos espectadores horrorizados y/o hastiados por lo que estaban viendo. Otro de los puntazos ha sido Were the world mine, una fantasía musical inspirada en El sueño de una noche de verano de Shakespeare. Cante, baile, disfraces, color, macizos sin camiseta y textos de Shakespeare ¡Más que prometedor!

Tom Gustafson es el artífice de esta película que parte de una socorrida trama habitual en el cine que trata la homosexualidad en la adolescencia/juventud como Get Real: Thomas, un chaval normalito, es continuamente acosado por sus compañeros, a causa de sus inclinaciones artísticas y nada deportivas, cuestión que se acentúa en un colegio masculino como el suyo, sin la vía de escape femenina. Sus únicos amigos son un chico y una chica fuera de lo normal. Vive con su progenitora, una joven madre coraje (Judy Mclane, cantante de Mamma Mia!)que se marcha de casa con su hijo cuando su marido y padre del muchachín lo echa de casa por

¡MARICÓN!

Ahora ella busca trabajo de lo que sea y acaba vendiendo cosméticos a domicilio bajo la supervisión de la estirada, retrógrada (algo habitual en el pequeño pueblo en el que habitan) y neurótica esposa del director del instituto. Mientras tanto, en las clases de Literatura, la excéntrica profesora (Wendy Robbie), amante de Shakespeare y hermana gemela de Tori Amos, ha decidido que para el festival de primavera los alumnos representarán A Midnight's summmer dream. En un un colegio íntegramente masculino, los roles femeninos, LÓGICAMENTE, tendrán que ser interpretados por ¡chicos! Esos indómitos guerreros que pasan tantas horas jugando al rugby y molestando a Thomas. Pero uno de ellos, el exitoso y masculino capitán del equipo DOTADO de mayor sensibilidad lo trata con más respeto e incluso CARIÑO.

Harto de todo y todos, Thomas decide preparar aquella pócima que Oberón encarga a Robin en la obra, y que verterá sobre los ojos de los atenienses para que se enamoren de la primera persona que vean. Así, con semejante potingue, el joven, sensible y harto de todo, logra sembrar el caos, o el amor que viene a ser lo mismo, por todo el pueblo al rociar aquel jugo de la pasión sobre sus habitantes. Entre ellos, el capitán del equipo que cumplirá sus sueños más íntimos.

Con los escasos segundos musicales que se pueden escuchar en el tráiler y la excesiva y cursi puesta en escena que muestran de refilón, yo estaba dispuesto a rendirme ante aquel delirio tan denostado hoy en día (y en noche). Pero es que no resultaba hortera, ni forzado, ni fuera de lugar, sino una onírica recreación, muy propia de videoclip noventero, y bucólica de los deseos de cualquier adolescente trastornado pero optimista. LÁSTIMA que los números musicales escasearan porque la calidad era inusitada. Todo sonaba a nuevo. Nada más empezar, sentía que me esperaba el musical pop contemporáneo definitivo, pero todo se quedó en un sueño (y no de medianoche). Por suerte, un bálsamo similar al que prepara Thomas fluyó, en este caso, por mis oídos que pude identificar como al mejor Brian Eno produciendo un disco pop para Sigur Ros, con letras de Rufus Wainwright (gracias a Jessica Floge. ¿Te haces una idea? Pues por si me he explicado mal, te dejo con el tráiler para que decidas por ti mismo/a.



Wednesday, 5 November 2008

Entrevista -->Nena Daconte, verdaderamente dulces y pegajosos

Tras un curioso y entretenido debut (con muy buenos resultados para ser el primer partido), Nena Daconte se lanza a la ¿aventura? con su segunda colección de canciones pop dulzonas, elegantes, con alguna que otra guitarra eléctrica, unos cuantos sintetizadores más que antes y un toque poético-naïf en las letras. Kim Fanlo y Mai Meneses han cambiado los zapatos que nunca encontraron por un par de patines en Retales de Carnaval, su nuevo trabajo producido por ellos mismos. Tuve la oportunidad de hablar con ellos para la revista universitaria Aula 2000 y me contaron muchas más cosas que no podían quedarse en el trastero.


Tenía tanto que darte, primer single de Retales de Carnaval


¡Hola pareja!

Mai: Muy buenas
Kim: ¡Hola!



¿Está Retales de Carnaval creado desde el optimismo?
Kim: El álbum se ve impregnado de la alegría que nos ha proporcionado nuestro primer álbum aunque las letras siguen siendo melancólicas. Además recurrimos a los mismos temas, más o menos, del primer disco. Un claro ejemplo es el single (Tenía tanto que darte): los arreglos suenan muy optimistas, muy enérgicos pero la letra contiene un mensaje muy melancólico y romántico. Sin embargo es una canción muy positiva.
Mai: Retales de Carnaval tiene algo de nostalgia porque un retal es un pedacito de algo que no está entero, pero claro, la palabra carnaval ya le da un toque de fiesta, un poco de alegría.

El toque poético naïf en las letras es una de vuestras señas de identidad... ¿Cuál es tu fuente de inspiración?
Mai: Cojo las ideas de la vida en general, de las cosas que les pasa a la gente, de diferentes emociones. Del sentimiento de soledad, de la búsqueda de la felicidad, a través del amor. Cosas que creo que nos preocupan a todos.


Marta fue el tercer single de He perdido los zapatos, su álbum debut


¿Cómo funcionáis a la hora de grabar?
Kim: Nosotros entramos al estudio con las maquetas de las canciones que vamos a grabar. No somos de grabar treinta temas. Teníamos muy claro que queríamos incluir estas once canciones. Cuando Mai compone los temas, si ve que hay alguno que no le convence ni me lo enseña.

¿Os habéis topado con muchas dificultades?
Kim: Somos un equipo que trabajamos muy a gusto y las cosas van muy fluidas. No tenemos momentos negros. Nos dejamos llevar mucho por lo que sentimos.

¿Qué sentimientos os provoca este segundo disco?
Kim: Nos provoca una satisfacción enorme, de haber hecho el disco que queríamos.

Vuestro nombre os conecta a Gabriel García Márquez (Nena Daconte es el protagonista de un relato suyo titulado "El rastro de tu sangre en la nieve") ¿Habéis leído algo suyo últimamente?
Mai: El último que leí fue Mis putas tristes, y tengo pendiente la autobigrafía. Lo último que he leído y que me ha impactado bastante han sido unos cuentos de Borges. De hecho hay una canción en el disco, El Alpeh que es una versión del cuento de Borges.


El Aleph


¿Quién ha dirigido del videoclip de Tenía tanto que darte?
Kim: Llamamos a Marc Lozano con el que ya habíamos trabajado en el videoclip de Idiota (remix). El tema le gustó mucho, estaba encantado de trabajar con esta canción. Fue una colaboración muy chula. Estamos contentos de haber repetido con él.

La muerte ocupa el título de dos canciones. ¿Os preocupa más ahora este tema?
Mai: Hombre, todo el mundo ¿no? La muerte es el punto y final y la vida tiene valor en sí misma. Y creo que de eso hablan estas canciones. Que hay que aprovechar la vida, hay que seguir buscando y aprendiendo porque después no sabemos si habrá algo o no.


Cuando mueran las malditas golondrinas, del nuevo álbum


¿Cómo serán vuestros próximos directos?
Mai: Nos gustaría hacer la gira en sitios cerrados, teatros para presentar las canciones en un ambiente un poco cercano.

MUSIC FOR THE CHANGE



De nuevo otra referencia a los E!E!U!U! en menos de una semana, pero ésta de alguna manera nos atañe a todos. Ya ha habido presidentas (Inglaterra, Argentina, Alemania) y ahora por fin un presidente afroamericano (aunque su padre fuera blanco, de alguna manera hay que comenzar ¿no?). Y desde aquí lo celebramos con música.

Aretha Franklin nos dice:¡Piensa!



You're my driving wheel de The Supremes, conjunto vocal de DIANA ROSS (;D)



La maniquea pero pegadiza campaña de Madonna: Get Stupid!

Friday, 31 October 2008

Halloween de todos los santos


Como una gran parte de la música que escuchamos proviene del mundo anglosajón, es inevitable que conozcamos las canciones que dedican a su festividad de Halloween. Todos los años los medios de comunicación elaboran sus listas de temazos que pueden sonar en una fiesta a la que acuden aquellos que ya están mayorcitos para el trick or treat tradicional (porque llegados a la adolescencia se me ocurren tricks and treats mas interesantes ;)

Después de consultar a una heterogéna amalgama de gentua y unas cuantas mierdawebs he recopilado aquellas canciones que, desde el criterio de musicanismos me parecen las más interesantes, divertidas y pintonas.

Como no queremos olvidarnos de Maicol y es el que normalmente ocupa los primeros puestos de las listas de Halloween, comenzaremos por él. Es inevitable recomendar para questa notte la madre de todas las canciones de terror

¡¡¡THRILLER!!!

Y como lo que queremos desde aquí es acojonarte viva o vivo. Te dejamos esta versión a manos de la tonadillera de Alcorcón:



Aquí encontrarás la versión de estudio: http://www.youtube.com/watch?v=Z6lDFUMLSqw

Otras melodías imprescindibles para tan señalada fecha son las de las famosas comedias televisivas que se reían de los personajes de la literatura clásica de terror. Los mayores de 20 años recordamos las últimas reposiciones de Los Munsters:



Y la de sus imitadores, posteriormente recuperados en una serie de películas y dibujos animados para TV. ¡¡¡¡La Familia Adams!!!!



Aunque Nina Simone o Creedence Clearwater Revival la interpretaron con gracia, yo me quedo con aquella versión de Bette Mildler en una de las películas que marcó mi infancia LAs Brujas de Salem (Hocus Pocus)(allí es donde ooí hablar por primera vez de Madonna, gracias al disfraz de la madre):



Son tantas las que podemos comentar: Number of the beast de Iron Maiden, Halloween Parade de Lou Reed, Scary Monsters (and Super Creeps)de Mr. Bowie, Voodoo Dolly de Siouxsie & the Banshees son algunas excelsas tonadas de terros procedentes del mundo del rock o Supernatural, cara B de Cherish, el tercer single de Like a Prayer de Madonna.



O Aqua que también nos deleitó con una de miedito:



Pero se acerca la hora de las brujas y no me gustaría estar solo cuando lleguen los espíritus, así que no me dilato más y os dejo con Ray Parker J., Steve Miller, Danny Elfman y Rocky Horror Picture Show.


Terror ochentero



Más ochentas ¡qué horror!



Marilyn Manson y Panic at the disco! la han cantado, pero la mejor es la original, la de Danny Elfman



Uno de los mejores musicales EVER

Wednesday, 29 October 2008

Ascenso y caída de la ciudad de Metrophonic I


Hubo un tiempo en la que el reinado del dance, ese trono codiciado desde su creación en la década de los años setenta, estaba ocupado por Brian Rawling y Mark Taylor (acompañados de su corte Todd Terry, Paul Barry y Steve Torch).

La coyuntura del cambio de siglo fue testigo del auge de su Imperio sonoro durante el que bajo el nombre de Metrophonic monopolizaron las pistas de baile con sus irresistibles producciones, festivos encuentros tendencias electrónicas con guitarras acústicas y pianos. Tal fue su dominio, que consiguieron resucitar la carrera de Cher. Justamente hace diez años, produjeron uno de los discos más importantes en la historia de la música dance: Believe. Con este trabajo Cher fue número uno en casi todos los países en los que se vendían cedés y cintas de cassette y dio a conocer al mundo el vocoder, ese efecto que modifica la voz como si de un robot se tratase. Aquel otoño de 1998 supuso un punto de inflexión: nada volvería a ser igual, el eurodance absorbería su influencia, y el vocoder del támdem Rawling-Taylor y su séquito envolvería con sus polvos mágicos la galaxia pop de Occidente.


Cher a la edad que Madonna tiene ahora


Ahora todo el mundo quiere un Timbaland en su vida, hace diez años (y hace seis también) un disco no triunfaría si no incluía algún tema grabado por ellos. En nuestro país, Mónica Naranjo, Marta Sánchez o Chenoa lograron ser sodomizadas por su sonido (y otros muchos mamarrachos de los que hablaremos en otro momento). Tina Turner, Celine Dion, Britney Spears, Enrique Iglesias, Lara Fabián, Belinda Carlisle, Andrea Bocelli, Bananarama, Ricky Martin, Kylie Minogue, Lionel Richie y Rod Stewart se rindieron a sus pies a lo largo de esta década. Pero al igual que la de Roma, la hegemonía de Metrophonic (junto a la del sueco Max Martin) no podía ser eterna y silenciosamente fueron diluyéndose entre numerosos imitadores y el auge del “sonido urbano” encarnado en The Neptunes, Timbaland, la electrónica francesa y el eurodance sueco e italiano.

A continuación os ofrecemos algunos de sus trabajos:



Tina Turner a la dulce edad de 60 años



Cher, Todo o nada, como Inma de Gran Hermano



I'm not a girl, but just a whore, mucho mejor con la producción de Brian



En una noche como esta, fantástica tonada de la australiana: con chunda chunda por lo bajini, guitarricas españolas y coros sotto voce



Soc Jo, de Marta Sánchez: ¿producir fuera del mundo anglosajón? El principio del fin



La disquera de la Naranjo también pagó un pastón para que le produjeran la cancioncita

Tuesday, 28 October 2008

Consultorio pop: Cómo superar la marcha de tu líder

Cuanto más simple es una operación su margen de error es menor. Por eso si se reduce a una sola cara la imagen de una banda de música, más cómoda será la promoción. Esta máxima del “cuánto más sencillo mejor” impregna la música pop.

Líderes, portavoces de una banda y carismáticas imágenes muy útiles para identificar al conjunto. Es imposible no reconocer a Texas gracias a la morena de labios carnosos Sharleen Spiteri, o a El Canto del Loco, por el pizpireto y macarrilla Dani Martín. La dictadura del líder está servida pues qué podríamos hacer cuando esa “marca de la casa” se esfuma. Hace más de veinte años Olé Olé pasó por tan cruda situación con la marcha de Vicky Larraz. Enseguida encontraron a Marta Sánchez para superar esta primera crisis y los éxitos no se hicieron esperar. Por eso, cuando hace un año Amaia Montero anunció que dejaba La Oreja de Van Gogh todos recordamos a Olé Olé. En esta ocasión, las diferencias de Montero con el resto del grupo parece que sólo podían resolverse con la separación.

¿Pasarán los lunes al sol tras la marcha de Amaia?


La tragedia se instala entre ellos ¡Qué hacer! ¿Cómo sustituir la personalísima voz de Amaia?

No parecía sencillo, sin embargo en las vidas de Pablo, Álvaro, Haritz y Xavi apareció Leire Martínez, una de las participantes del reality musical Factor X, la esperanza personificada. Todo parecía encajar: chica guapa, conocida y con una voz diferente al resto pero similar a la de Amaia.

¿A que no se nota el cambio?


¿Se puede pedir más?

Sí, composiciones pop de estribillos acrobáticos y letras naïf como El último vals, primer single de A las cinco en el Astoria, que nada tiene que envidiar a sus anteriores grabaciones. Pero tratando tan peculiar tema, no podemos olvidarnos de Presuntos Implicados y la marcha de Sole Jiménez, que tras más de veinte años al frente, deja paso por una "manera distinta y personal de entender las relaciones" a Lydia Rodríguez, aquella chica que representó en 1999 a España en Eurovisión con y que ha publicado tres álbumes de estudio de discutible éxito. Su voz es muy parecida a la de Sole e incluso hay cierto parecido físico entre ambas (¿mismo piercing en la nariz?). Con Juan Luís Jiménez y Nacho Mañó, acaba de publicar Será, un trabajo que abre una nueva etapa a la banda y a su nueva vocalista.

Al final, todos salen ganando.

¿Problemas en la cama? Laura de América hubiera puesto remedio


Estampa campestre pretérita


Estampa campestre presente

Thursday, 23 October 2008

Mónica Naranjo: un exceso que sabe a poco



En la carrera de Mónica existen muchas sombras que no permiten hacernos una idea completa de su personalidad, o acerca de la dirección que quiere tomar su sonido. Para cada entrevista tiene preparado un acento diferente y es experta en parecer atiborrada de tranquilizantes cuando se encuentra frente un periodista. Hace un año anunció en una fugaz temporada de Sorpresa Sorpresa que estaba ultimando su nuevo álbum y que sería completamente distinto. Así fue Europa el single presentación de ese disco que preludiaba sonoridades oscuras en las que el rock y el techno se hermanarían en paz y armonía con letras que traspasarían la frontera del “oh baby, cuánto te echo de menos”. Barroquismo del que le gusta a la Trasobares con un punto burtoniano (más en el diseño del libreto que en el sonido), decadencia y mucho dramaqueenismo conformaron finalmente Tarántula. Un acierto, aunque no salvaríamos de la quema más que un puñado de canciones (Europa, Amor y Lujo, Diles que no y poco más), que ni los excesivos videoclips de gusto cuestionable nos arrebatarán.



Con todo esto, cualquiera que no la odiase en exceso podría esperar un tour de conciertos de lo más vanguardista y excesivo. Más aún cuando Hansel Cereza, que ha trabajado con La Fura dels Baus y Le Cirque du Soleil dirigiría a la tonadillera de Figueras. Pero de nuevo el fantasma choni que persigue a la Naranjo desde sus comienzos (desde Sólo se vive una vez y aquellos videos hipermega-low cost) llegó para impregnarlo todo con su repertorio de recursos pasados de moda. Antes de continuar, hay que parase para admirar la paciencia de una gran parte de sus fans, fervientes admiradores del chunda chunda divesco de extrarradio con el que se dio a conocer, por aguantar lo que Mónica les tenía preparado, en las antípodas de lo que ellos podían esperar.



La resurrección es el motivo que abre el espectáculo con una Mónica colgada de un arnés que se balancea mientras que hace que sea el público quien interprete Desátame casi por completo. Eso si, cuando le toca a ella, chorrazo de voz. Ya desde el principio despliega toda su pantomima gótico-rockera, aquella de la que bandas como Within Temptation o el mísmiso Marilyn Manson ya dejaron atrás y que fue transgresora a principios de los noventa (la cultura pop fagocita las tendencias que encuentra a su paso como una bola de critters arrasa entre los pobres campesinos). Curiosa resultó ser la división del espectáculo en dos partes: las primeras cinco canciones fueron éxitos de ayer, la ya mencionada Desátame, Aprender del amor, Sólo se vive una vez, Pantera en libertad y Perra Enamorada (ni rastro de Chicas Malas, como era de esperar, pues tiene mucha tirria a su anterior trabajo, ni del discotequero If You Leave Me Now).



La segunda parte, más larga, estaba compuesta por esas sofisticadas y vanguardistas composiciones de Tarántula. Usted despedía sus antiguos éxitos y nos demostraba en directo que la aquella voz aguda es realmente la de Mónica (¡Qué versatilidad vocal, por dios!). Con el mensaje político del tema podía haberse valido de una puesta en escena temática (no sé, sacar a un bailarín disfrazado de Tío Sam o Aznar como hace Ska-P o un videaco como los que te mete por los ojos Madonna), pero no, el rollo gótico es lo que toca. Gótico y repetitivo pues los nuevos arreglos musicales hacían de todo menos dotar a las canciones de personalidad propia, todas sonaba IGUAL. Podemos comprenderlo de alguna manera, al indagar y darnos cuenta de que el director musical, al que habría que denunciar por la vía penal, es Pablo Navarro, director musical de Queen (que musicalmente no estaba mal, aunque la traducción del libreto al castellano lo convierta en una soez versión infantil). ¿Esto que suena qué es? ¿Es Todo Mentira? ¿Óyeme? ¿I Want to Break Free? Ojalá hubiera sido esta última, pero tuvimos que conformarnos con Todo Mentira en la que nos pide que nos olvidemos de todo y nos centremos en el amor (sí hombre, lo que nos faltaba), con Diles que no (que comienza como si se tratara de un anuncio de Pepsi) e Idilio, en forma de interludio con los “outtakes” de cualquier chou de La Fura (bailarinas colgantes de telas, un tío con cresta, en bolas, con cara de pocos amigos…). Tras el break para cambiar de traje (los que estábamos a la derecha del escenario podíamos ver cómo se quedaba en bragas), Para Siempre un momento de tranquilidad (¿acaso eso es lo que queremos?) y después ¡POR FIN! Un poco de marcha.



Con un váter dorado frente al escenario y tras un pequeño paripé, emerge Mónica desde atrás interpretando a capella Amor y Lujo, en ese momento aprovecha y exclama aquello que ella cree que hace gracia a sus fans (muy familiarizados con las ordinarieces sarasistas)

¡ME TENÉIS HASTA LA RAJA!

El recinto explota en risotadas, muchas de las cuales seguramente no sean resultado del chiste sino de la tensión acumulada de sus fans por negárseles un espectáculo verdaderamente “naranjil”. De nuevo la producción musical echa a perder este temazo, que podría haberse convertido en el momento decadente de la noche (en el buen sentido, es decir, una decadencia buscada, no una involuntaria), y que no canta ella, sino sus coristas (¿?).

Mónica tenía que desplegar sus dotes interpretativas, y decidió sincerarse ante nosotros. Sentadita, pues Amor y Lujo la habían dejado derrengadita perdida, nos avisó de que algún día tenía que contarnos algo muy importante, pero que todavía no era el momento… (¿Acaso Mónica nació llamándose Alfredo?) y se puso a divagar sobre la responsabilidad de los padres en la educación de os hijos porque ahora ella es madre (madrastra) y lo vive en sus carnes.

Y para el final no podíamos esperar nada mejor que Europa y Sobreviviré. Sin duda alguna dos de sus grandes canciones, himnos oscuros de miedo y superación que honran a Mónica y que nos ofrecen un rayito de esperanza a los que creemos que ella lo vale.



Repertorio:

01. Desátame
02. Aprender del amor
03. Sólo se vive una vez
04. Pantera en libertad
05. Perra enamorada
06. Usted
07. Todo mentira
08. Diles que no
09. Idilio (interludio)
10. Kambalaya
11. Para siempre
12. Amor y lujo
a. Bis
13. Europa
14. Sobreviviré

Wednesday, 25 June 2008

El espectáculo debe continuar... ¿pero así?

Con el género chico y el ínfimo como banquete para un público hambriento de nuevos espectáculos, la zarzuela se erigió como la estrella de los teatros españoles desde la segunda mitad del siglo XIX hasta la dictadura franquista, época en la que decayó su popularidad. Al llegar la democracia, España se había convertido en un seco páramo musical. Había perdido su tradición lírica y eran escasas las salas que programaban zarzuela o revista, aunque RTVE intentase revitalizarla con programas y series sobre el género.

En este vacío musical patrio entraron poco a poco los musicales de Broadway y West End, muchos de ellos ya conocidos por sus versiones cinematográficas como Jesucristo Superstar, para llenar las salas y dar vida a los instrumentos callados durante un largo periodo. Desde entonces, la Gran Vía madrileña o las ramblas barcelonesas han contado esporádicamente con espectáculos musicales en sus teatros. Sin embargo durante la primera década del siglo XXI ha proliferado el musical en España, hasta convertirse el lo que los medios de comunicación han calificado como boom. Cinco, o incluso seis, son los espectáculos que simultáneamente se han llegado a programar en la capital (una cifra irrisoria si la comparamos con la treintena a la que se puede llegar en Londres o Nueva York). El germen de esta moda fue Moulin Rouge en 2001, una película musical configurada a partir de algunas de las composiciones más populares del pop y el rock anglosajón, que sentó las bases de una nueva manera de hacer musicales. Con las canciones más famosas de Queen se creó un espectáculo teatral, y a partir de los temas más representativos de Abba, surgió Mamma Mía! Ambos fueron muy bien acogidos por el público durante varias temporadas, en nuestro país, donde, el principal exponente de esta técnica es Hoy no me puedo levantar, un homenaje al grupo de pop-rock Mecano, en el que a través de canciones como “Una rosa es una rosa” o “Mujer contra mujer” se narran las aventuras de un joven en la década de los ochenta, que llega a la gran ciudad para convertirse en estrella de rock.

El musical de Mecano ha supuesto un hito sin precedentes en nuestro país tras cuatro temporadas de lleno absoluto en la Gran Vía madrileña. Ahora deja el Teatro Movistar para marcharse de gira, y cuenta con una franquicia en México. Aprovechando el tirón, el pasado otoño se estrenó en Madrid, Quisiera ser, musical basado en las canciones de El Dúo Dinámico que está teniendo una buena acogida. Otros que también han triunfado en las carteleras españolas han sido lo musicales avalados por unas excelentes adaptaciones cinematográficas. Estamos hablando de Cabaret, éxito de crítica y público en el Teatro Nuevo Alcalá de Madrid, Grease, que se ha convertido en todo un fenómeno en Barcelona o La Bella y la Bestia, actualmente en cartelera, por segunda vez en los últimos diez años, que se plantea continuar durante este verano debido a la masiva demanda de entradas.

Un panorama, sin duda, muy apetecible para cualquier promotor con ganas de hacer dinero. Sin embargo, no todos los musicales corren la misma suerte que los hasta ahora comentados. Y abundan los ejemplos recientes: durante 2007 un montaje importado directamente desde Broadway, Los Productores del genial Mel Brooks, permaneció en cartel una temporada debido a la escasa venta de entradas, a pesar de que tenía planeado aguantar al menos un par, y Víctor y Victoria, que devolvía a las tablas a Paloma San Basilio, no aguantó ni el curso completo por el mismo motivo. Algo similar ocurrió con Scaramouche, una nueva partitura española ambientada en la periodo revolucionario francés, cancelada a las pocas semanas de estrenar. Los ejemplos de este año son mucho más alarmantes como lo demuestra la reposición de uno de los musicales más célebres, que tanto éxito cosechó en los setenta, Jesucristo Superstar, que se ha marcha del teatro Lope de Vega de Madrid tras una única temporada. Por otro lado, el futuro de El Diario de Ana Frank, musical íntegramente nuevo que se estrenó en febrero, es incierto, ya que por ahora sobrevive gracias a los grupos escolares y de jubilados que acuden con descuentos. El Rey de Bodas, una comedia romántica con producción de Broadway, de estreno absoluto en nuestro país, cierra el ciclo de los últimos desastres con la cancelación de todas sus funciones tres meses después de su estreno. Ni siquiera con promociones como los descuentos o el famoso “dos por uno”, han conseguido remontar (sobra decir que los musicales exitosos no han necesitado recurrir a estas técnicas de marketing).

Estos fracasos dejan patente que el negocio de los musicales en nuestro país no está tan consolidado como podría parecer. Podemos explicarlo con la escasa demanda que han tenido, insuficiente para mantener la gran cantidad de espectáculos de este tipo que se han ofertado a partir del éxito de algunos, o con la teoría de que el espectador no quiere arriesgar, y por eso prefiere las obras que ya conoce como Hoy no me puedo levantar o La Bella y la Bestia, antes que apostar por desconocidas que puede que no le gusten. Otro de los inconvenientes es el alto precio de las entradas (entre veinte y ochenta euros), un factor para que el público quiera maximizar la gratificación que le reportará la función sin asumir riesgos.

La situación de los musicales en España, por tanto, se encuentra aún muy lejos del vergel londinense o neoyorquino, o incluso parisino o berlinés. Lo que parecía una mejora de la situación, no es más que una coyuntura, una anécdota, de la que los promotores han sacado conclusiones equivocadas que les han llevado a la creación de nuevos musicales como el de Ana Frank o el proyectado para otoño, Enamorados Anónimos, sin asegurarse que vayan a ser respaldados por el público. Todo un acto contraproducente de valentía y amor al teatro, pues su fracaso puede desembocar en una pérdida definitiva de la confianza en este mercado que nos devuelva a una época oscura en la que ni siquiera haya Hoy no me puedo levantar ni Mamma Mía! con los que consolarse. El espectáculo debe continuar ¿pero así?






El Rey de Bodas en Madrid